로댕 박물관Musée Rodin에서 볼 수 있는 카미유 클로델(1864-1943)의 비유 넘치는 작품
Camille Rosalie Claudel(1864년 12월 8일 - 1943년 10월 19일)은 청동과 대리석으로 만든 비유적 작품으로 유명한 프랑스 조각가입니다. 그녀는 상대적으로 무명으로 사망했지만 나중에 그녀의 작업의 독창성과 품질에 대한 인정을 받았습니다. 여러 전기와 영화의 주제인 Claudel은 The Waltz와 The Mature Age를 포함한 그녀의 조각품으로 잘 알려져 있습니다.
카미유 끌로델은 1883년에 Rodin의 작업장에서 일하기 시작했으며 로댕에게 영감의 원천이 되었습니다. 그녀는 그의 모델, 친구, 연인으로 활동했습니다.
카미유 클로델의 초상 Portrait of Camille Claudel
세자르 César, 1884년경, 알부민 종이 인쇄, 15.5 ×10.3 cm(메인 서포트) 16.3 ×10.6cm(보조 지지대)
1988년 Bruno Nuytten의 전기 영화 Camille Claudel이 개봉된 후, 조각가는 여배우 Isabelle Adjani와 널리 연관되었습니다. 그녀의 진짜 얼굴은 덜 낯익습니다. 의심할 여지없이 가장 유명한 Csar의 초상화와 같은 몇 안 되는 그녀의 사진 대부분은 그녀를 매우 젊은 여성으로 보여줍니다.
이 초상화는 카미유가 거의 스무 살이었고 최근 파리의 아카데미 드 라 그랑드 쇼미에르에서 조각 수업에 등록했을 때 찍은 것입니다. 그것은 그녀를 솔직한 표정과 꾸밈없는 드레스와 헤어 스타일을 가진 신선한 얼굴의 젊은 여성으로 보여줍니다. 같은 기간인 1884년경에 그녀는 로댕의 스튜디오에 합류했는데, 그곳에서 중요한 국가 위원회인 지옥의 문(The Gates of Hell) 작업을 위해 조수와 실무자가 필요했습니다. 이 사진은 로댕의 개인 소장품입니다.
Rodin 자신은 Camille Claudel의 여러 초상화를 조각했습니다. 그들은 사진과 같은 둥글고 조화로운 얼굴을 보여주지만, 더 사려 깊은 분위기를 보여줍니다.
왈츠 The Waltz or The Waltzers
까미유 클로델(1864~1943), 1893년경, 청동, 43.2 cm×23 cm×34.3 cm
열정적인 젊은 조각가인 Camille Claudel(1864-1943)은 처음에는 학생이었고(1884), 그다음에는 Rodin의 정부였으며 1898년 결정적인 휴식을 취할 때까지 석사 연구를 공유했습니다. 움직임에 대한 그녀의 관심과 그녀가 그것에 기록하는 큰 감수성이 특징입니다.
1893년 Camille Claudel은 Salon National des Beaux-Arts에서 The Waltz를 선보였습니다. 이 작품은 비스듬한 축을 중심으로 회전하는 두 명의 무용수를 나타냅니다. 무용수의 엉덩이에서 시작하여 옆으로 날아가는 드레이프가 움직임의 인상을 강조합니다. 같은 방향으로 들어 올려진 무용수의 발과 작품의 얇은 직사각형 기반은 그룹을 인물의 균형점의 한계까지 밀어붙입니다. 남성 무용수의 근육의 활력과 파트너의 육체의 단단함은 무한한 사랑의 관능적 환기를 불러일으킨다. 논란의 대상이 된 Camille Claudel은 대중에게 공개된 갤러리에서의 전시를 허용하기에 부적합한 "작품에서 나오는 현실의 폭력적인 악센트"에 대해 비판을 받았습니다.
성숙한 시대/숙명 The Age of Maturity or Destiny or The Path of Life or Fatality
Camille Claudel(1864-1943), 1899년, 청동, 121 cm ×181.2 cm×73 cm
1893년 12월에 Camille Claudel이 그의 오빠 Paul에게 보낸 편지에 따르면 회반죽으로 된 사본만 있는 The Age of Maturity의 첫 번째 버전은 1894-1895년으로 거슬러 올라갑니다. 거기서 그녀는 그것을 "세 인물 그룹 three-figure group"이라고 부릅니다. 조각가는 그녀의 중심적인 운명에 대한 생각을 더욱 강하게 표현하기 위해 그룹에 기대어 있는 나무를 도입할 계획이었습니다.
The Age of Maturity의 두 번째 버전은 1895년 프랑스 정부의 의뢰를 따랐지만 실제로 예술가가 작업을 완료하고 1898년에 비용을 지불했지만 Depot of Marbles에 전달되지 않았습니다. 그러나 1902년 티시에 대위 Captain Tissier(파리 오르세 미술관)를 대신하여 티에보 프레르가, 1913년 카르빌하니Carvilhani(파리 로댕 미술관)가 청동으로 두 번 주조되었을 때 잃어버린 것으로 생각됩니다.
종종 자서전적 의미로 그의 옛 정부인 로즈 뵈레와 그의 젊은 연인인 카미유 끌로델 사이에서 망설이는 로댕의 삽화로 해석되는 '성숙한 시대'는 무엇보다 운명이라는 주제를 중심으로 한 변형으로 나타납니다. 저항할 수 없는 움직임 속에서, 첫 번째 버전에서 여전히 젊음과 삶에 의해 굳건히 붙잡혀 있는 남자는 두 번째 버전에서 노년과 죽음으로 인해 젊은 탄원자의 뻗은 팔에서 당겨집니다. 고통을 주는 가림막과 강력한 그림자는 이 두 번째 버전을 "아르누보" 미학에 더 가깝게 보여줍니다.
더 웨이브 또는 더 바더스 The Wave or The Bathers
카미유 클로델(1864-1943), 1897-1903년(?), 마블 오닉스, 브론즈, 62cm×56cm×50cm
1897년 살롱에서 석고판으로 전시된 The Wave는 The Gossips와 마찬가지로 거의 전적으로 Camille Claudel 자신이 제작했습니다. 세 명의 똑같은 작은 여성 인물은 모두 오닉스 대리석의 거대한 물결이 그들의 머리 위로 부서지기 시작하는 것을 보면서 무릎을 굽 합니다. 이 기간 동안 예술가의 다른 여러 작품에서 볼 수 있듯이 운명의 이미지로 볼 수 있습니다.
스타일리시하게, 오닉스 대리석과 같은 반 귀중한 재료의 선택은 Charles Cordier와 Claudel의 친화력과 동시대의 색상 놀이에 대한 매력과 재료의 자연스러운 다색성을 보여줍니다. 여기서 청동은 돌의 녹색과 대화한다.
호쿠사이의 유명한 목판화와 비슷한 색과 형태의 일본 미술의 영향을 받은 The Wave는 빛을 우선시하는 장식적인 작품으로 Claudel의 후기 시리즈인 "Chimney-pieces"(Deep Thought, Fireside Dream)를 예고합니다.
1897년 살롱에서 석고 버전으로 선보인 La Vague는 Les Causeuses와 마찬가지로 주로 Camille Claudel이 제작했습니다. 똑같이 생긴 세 명의 작은 청동 여자는 무릎을 구부린 채 그들 위에 매달려 있는 대리석 마노의 거대한 물결이 그들 위로 부서지는 것을 보았습니다. 당시 작가의 다른 작품들처럼 운명의 이미지를 엿볼 수 있다.
대리석-오닉스와 같은 준보석 재료의 선택은 카미유 끌로델을 조각가 샤를 코르디에의 움직임에 색상의 유희를 위한 시간의 매력과 돌의 청동과 녹색이 응답하는 재료의 자연스러운 다색성을 나타냅니다.
빛이 중요한 역할을 하는 장식 작품은 일본 화가 호쿠사이(1760-1849)의 영감을 받은 물결은 가나가와의 큰 파도(1831)의 판화의 색상과 모양이 비슷합니다. 후지산의 36경을 구성하는 6개의 판화와 Camille Claudel의 후속 시리즈인 The Chimneys(심오한 생각, 난롯가의 꿈 )에서 재료의 결합도 중요한 역할을 합니다.
가십 또는 여성 채팅 The Gossips or Women chatting
까미유 클로델(1864~1943), 1897년, 마블 오닉스, 브론즈, 45cm×42.2cm×39cm
1893년 그의 오빠 Paul에게 보낸 편지에서 Camille Claudel은 화면 뒤에서 다른 사람의 말을 듣고 있는 세 명의 여성으로 이루어진 작은 그룹을 언급합니다. 그녀가 기차에서 관찰했던 장면에서 영감을 얻은 The Gossips는 1895년 Salon de la Socit Nationale des Beaux-Arts에서 석고 버전으로 1897년에는 오닉스와 브론즈 버전으로 선보였습니다.
1895년 전시회에서 주어진 제목인 Life Study로 제시된 이 작품은 Camille Claudel의 가장 독창적인 작품 중 하나입니다. 로댕 박물관의 버전은 탐욕스럽고 호기심 많은 수다쟁이에 가깝지만 동시에 과도한 노출, 얼굴과 머리카락의 약간의 돌기 때문에 거리가 먼 이 여성 그룹의 소중하고 일본적인 측면을 강조합니다. 일부 버전에서 후자는 이 아직 친숙한 장면의 낯섦을 강조하는 거의 자율적인 개체가 되는 경향이 있습니다. 동일한 작업의 다른 버전이 다른 자료의 공개 및 개인 컬렉션에 존재합니다.
Sakountala 스케치 Esquisse pour Sakountala
Camille Claudel, 1886년경, 테라코타, 15.5×11.5×12.5cm
1886년 Camille Claudel은 인도 문학에서 영감을 받은 Sakountala와 그녀의 남편의 재회를 특징으로 하는 러브 그룹 제작에 착수했습니다. 이 위대한 관능의 스케치는 지금까지 알려진 것 중 가장 오래된 것입니다. 사랑하는 사람 앞에 무릎을 꿇고 앉아 있는 남편 사쿤탈라는 부드러움으로 자신을 껴안고 있습니다.
Camille Claudel은 Auguste Rodin의 스튜디오에서 작업하면서 Sakountala를 정교하게 만듭니다. 여자가 무릎을 꿇고 연인의 팔에 앉지 않으면 스케치는 피라미드 구성과 남자의 위치로 인해 거꾸로 된 키스의 인상을 주며 Claudel은 최종 버전에서 자신을 완전히 추상화합니다. 상황의 평행성에 주목하는 것도 흥미롭습니다. 로댕에서 발표되고 독특할 첫 키스, 끌로델에서 마침내 재회한 두 연인 사이의 관능적인 포옹.
Camille Claudel의 살아남은 스케치는 드뭅니다. 2017년까지 가족에 남아 있던 이 작품은 국가의 선매권 방식으로 공개 판매되었으며, 이때 작가의 다른 11개 작품이 공개 컬렉션에 포함되었습니다(Nogent-sur- Seine, Muse d'Orsay, Poitiers의 Muse Sainte-Croix, La Piscine Roubaix의 Andr Diligent Museum of Art and Industry, Villeneuve-sur-Fre의 Maison Camille 및 Paul Claudel). 그것은 이미 Sakountala에 대한 또 다른 스케치(S.235)와 1905년에 Vertumne et Pomone(S.1293)이라는 제목으로 조각된 그룹 대리석 버전이 있는 로댕 박물관의 컬렉션을 풍부하게 합니다.
베르툼누스와 포모나 Vertumnus and Pomona
카미유 클로델(1864-1943), 1905년, 붉은색 대리석 베이스에 흰색 대리석, 91cm×80.6cm×41.8cm
이 조각은 다양한 매체에서 실행되었고 다양한 칭호를 받았습니다. 사쿤탈라가 마법 주문으로 인해 오랜 이별을 겪은 후 남편과 재회한다는 인도 연극에서 영감을 얻은 이 작품은 1886년경 석고로 처음 모델링되었습니다. 국가 위원회의 거듭된 요청과 클라우델의 짓눌린 희망 끝에 이 작품은 마침내 1905년 마그레트Maigret 백작부인 덕분에 대리석으로 조각되었습니다. 그의 시점에서 그것은 Vertumnus와 Pomona라는 제목이 붙었습니다.
Eugne Blot이 주조한 청동은 같은 해 1905년 L'Abandon이라는 제목으로 Salon d'Automne에서 발표되었습니다. 따라서 주제는 힌두 신화에서 그리스 신화로 그리고 심리학이나 개인사로 이동합니다.
서로 다른 버전 간의 변형은 예술가가 추구하는 연구를 증명합니다. 매체의 변화와 결합된 제목의 변화는 그녀의 연구의 일부를 형성한 다양한 해석과 의미를 증명합니다.
클로토 Clotho
카미유 클로델(1864-1943), 1893년, 벽토, 90cm×49.3cm×43cm
1893년 National Society of Fine Arts에서 석고 버전으로 전시된 이 작품은 그레코로만 신화Greco-Roman mythology에서 영감을 받았습니다. 1895년 Puvis de Chavannes를 기념하기 위해 조직된 구독을 통해 Camille Claudel(지금은 소실됨)의 대리석 버전을 주문할 수 있게 되었습니다. 이 버전은 1897년에 완성되어 1899년에 National Society of Fine Arts에 전시 된 이 대리석 버전은 불행히도 사라졌습니다.
클로토 Clotho는 고대 그리스 신화의 인간의 운명을 관장하는 세 명의 운명 Three Fates 또는 Moirai 중 막내였습니다.
아주 늙은 여자의 모습으로 표현된 이 조각품은 노년의 표현을 둘러싼 로댕과 카미유 끌로델 사이의 예술적 대화의 일부입니다. 이 주제에 대해 로댕은 1884-1885년에 아름다운 힐미에르(Heaulmière)라는 작품을 만들었고, 같은 모델에 따라 쥘 데부아 Jules Desbois는 1894년에 Misery in terracotta을 제작했습니다.
이 작품은 또한 운명에 대한 끌로델식의 선입견의 기준점 중 하나를 구성하며 우리는 그의 작품에서 다른 흔적을 발견합니다. 모든 무게로 그녀의 머리를 짓누르고 그녀를 마비시키는 덫처럼 그녀의 머리카락에 갇혀 있는 Clotho는 The Waltz와 동시에 Salon에서 보이며 거의 정확한 이율배반입니다.
로댕의 흉상 Portrait of Rodin
카미유 클로델(1864-1943), 1886-1888, 1892년 Gruet 주물공장에서 주조한 청동, 모래, 40×24.6×28cm
1880년대 초 Camille Claudel의 조각에서 자연주의적 방향으로 발전시켰고, 그녀는 1886년에서 1888년 사이에 그녀가 모델링한 로댕의 흉상에서도 명백합니다. 여기에서 두드러진 특징을 가진 머리, 강한 코와 이마는 모든 돌출부를 반영합니다. 조각가의 얼굴을 표시하는 작은 근육과 주름, 이것은 Camille Claudel의 작품에서 여러 번 주제가 되었으며 그림이나 지금은 사라진 초상화에도 나타납니다. 1892년 Salon de la Socit Nationale des Beaux-Arts에 처음 전시된 로댕의 흉상은 즉시 주목을 받았고 비평가들의 감탄과 찬사를 받았습니다. 작가 에드몽 필론(Edmond Pilon)의 1900년에 미술 잡지 아이리스 Iris에 기고한 글에 따르면 끌로델의 작품은 "천재의 고요하고 심오한 얼굴"을 포착했다고 합니다. 따라서 이 작품은 시카고에서 암스테르담, 프라하에서 뉴욕에 이르기까지 전 세계에서 로댕에 바쳐진 주요 전시회와 함께 제공되는 일종의 상징이자 예술가의 공식 초상이 됩니다.
우리가 알고 있는 거장의 희귀한 초상화 중에서 가장 큰 인상을 남긴 것은 의심할 여지없이 쥘 데부아 Jules Desbois(1851-1935)가 조각한 작품과 함께 이 흉상은 틀림없이 가장 큰 영향을 미친 주인의 초상화입니다.
라 쁘띠 샤틀렌느 La petite Châtelaine
카미유 클로델(1864~1943), 1895년, 대리석, 34.6×28.4×22.7cm
클로드 드뷔시Claude Debussy(1862-1918, 프랑스 인상주의 음악의 대표적인 작곡가)가 특히 좋아했던 La Petite Châtelaine의 흉상은 그의 첫 번째 연구에서 1892년에 로댕과 카미유 끌로델이 여러 차례 머물렀던 Azay-le-Rideau 근처의 Château de l' Islette에서 상상되었습니다. 그 어린 소녀는 부동산 소유주의 6세 손녀인 마거리트 보이어로 62시간 동안 포즈를 취했습니다.
유순하고 거의 얼어붙은 듯한 태도로 얼굴을 치켜든 그녀는 낮은 키에서 작업 중인 작가를 면밀히 살핀듯합니다. 도톰한 뺨과 반쯤 벌려진 입, 청순하지만 유난히 뜨거운 눈빛이 스윗한 얼굴에 발랄함을 더합니다. 1895년에서 1896년 사이에 카미유 끌로델은 대리석으로 네 가지 버전을 제작했습니다. 그 뉘앙스는 주로 머리카락 처리, 직선 또는 원형, 두껍거나 느슨한 매트에 있지만 자물쇠는 여전히 인터레이스 흔적을 유지합니다. 흉상은 초상화의 조형적 균형과 엄격한 기술로 확신하는 비평가들의 장난스러운 논평을 불러일으켰습니다.
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William Elborne, Camille Claudel 및 Jessie Lipscomb, 117 rue Notre-Dame-des-Champs, 1887, [Ph.01773] 스튜디오에서
1899년에 찍은 이 사진은 당시 45세였던 Camille Claudel이 그녀의 작업실에 길고 어두운 코트를 입고 그해에 조각된 페르세우스Persée와 고르곤Gorgone을 마주하고 있는 모습을 보여줍니다. 이 작품은 Donatello, Cellini, Greco-Roman mythology의 근원과 영향을 번역하고 열정을 드러내며 Gorgona의 잘린 머리는 자기 자화상입니다. 이 이미지는 카미유 끌로델의 작품과 로댕과의 격렬한 관계와 광기에 점차적으로 갇혀있는 그의 삶에 붙은 진부한 이미지와는 거리가 멀다. 그녀는 야망을 말해주는 크기의 작품을 만들 수있는 여성 조각가를 보여 주지만 또한 그녀가 겪은 시련에 의해 표시된 여성을 보여줍니다. 19세기 중반에 여성이되었을 때 예술가가가되는 것은 당연한 일이 아니며 도덕적 편견, 예술 교육의 제한, 그리고 미술부와 살롱의 배심원들 사이에서 통치하는 남성 지배에 직면하는 것을 포함합니다.
사진/글 로댕 미술관 Agence photographique du muse Rodin - Jrome Manoukian